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Hasta siempre! Luciano A. Ferrer, karmacoma de
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.... siempre dile que es hermosa

50 BIENAL DE VENECIA

La 50 edición de la Bienal de Venecia presenta, además de los pabellones
nacionales, once exposiciones distintas comisariadas por curators
diferentes, todo ello coordinado por su comisario general, Francesco
Bonami, exhibiendo dentro de un concepto de unidad en diversidad, el arte de
más de 30 países. El propósito de dicha Bienal es presentar los desafíos
individuales y los globales a los que se ve sometido el arte, devolviendo
al espectador la relación personal entre éste y el creador. La fragmentación
a la que se ve sometida la Bienal, explica la realidad actual, de un mundo
políticamente incorrecto, que, sin embargo, intenta el diálogo para
equilibrarse. Esta dualidad también está presente en la Bienal y ello
constituye un acierto de Bonami, dado que muy lejos de presentar la Bienal
como políticamente correcta, lo hace estableciendo cotas de poder en las que
predomina la creación de nuestra civilización, aunque huyendo de la
apropiación indebida de lo Occidental respecto al arte. De esta forma,
africanos, chinos, árabes, israelíes y occidentales pueden dialogar a partir
de sus propuestas. Esta es una de las bienales más políticas, pero, a la
vez, más descentralizada y descontextualizada de los grandes popes y de la
dictadura de la crítica nacional de los países que mandan en el mercado.
El arte no es el mercado, sino que el mercado es la consecuencia del arte y
como tal podemos afirmar que Francesco Bonami lo ha conseguido. Otro logro
que a mí me parece fundamental es que la 50 edición exhibe la contradicción
del arte y los valores emergentes, las culturas potentes pero también las
que lo serán próximamente, alejándose del concepto de parque temático al que
parecen abocadas otras bienales.
En la presente ocasión la Bienal se ha titulado 'Sueños y conflictos. La
dictadura del espectador', título que alude a la necesidad de que el
espectador como individuo retome su poder dentro del contexto del arte como
individuo y no como masa a la que parecen guiarle las grandes exposiciones
edulcoradas con un marketing escandaloso, ligadas al turismo, para engrosar
las arcas de un sector que precisa nuevos estímulos, dirigiendo el arte
hacia el espectáculo, cuestionando sus cimientos y convirtiendo a los
artistas en actores de un guiñol.

La diversidad como fuerza energética ante la apisonadora de la coherencia

En Venecia hemos podido contemplar el auge de la diversidad, que, por si
misma, no tiene que buscar coherencia, porque en una Bienal lo importante es
la representación de lo creativo, al margen de la política, en el sentido
purista del término, aunque no se pueda desligar porque forma parte del
todo. De ahí que Bonami haya acertado en su necesidad de remarcar el
posicionamiento del arte ante el mundo, porque la creación está implicada
en los cambios sociales, políticos, creativos, económicos y militares. El
arte es cultura y como tal hay que desligarlo de la tendencia de buscarle
una coherencia ante el espectador. El arte tendrá o no coherencia, según el
grado de implicación que el espectador desarrolle a título individual, pero
no hay que buscar la presentación armonizada para hacerle entender este
fenómeno, porque entonces entraríamos en línea con un cierto fascismo
homogeneizador que parece brotar de algunos países con la intención de
buscar un arte nacional, sin pretender hallar explicaciones a sus verdaderos
sentimientos y logros.
Los espacios expositivos de grandes proporciones de la Bienal de Venecia
actual constituyen por si mismos una elaborada y premeditada forma de
presentación para aislarlos, pretendiendo exhibir al espectador la
naturalidad de esta pléyade de mundos, esta presencia cada vez más clara de
lo particular en un mundo globalizado por intereses económicos, con un
'tempo' adecuado, sin abigarramientos. Lo particular, dentro de lo
solidario, es la mejor forma de potenciar el arte para que nada quede al
margen, porque la dinamización de la creación depende de las aportaciones
múltiples. Hay que seguir en esta línea, para distanciar cada vez más y
mejor el arte de lo Occidental, porque lo importante en la creación
artística no es el etnicismo, ni tampoco los fenómenos que segmentan
creaciones pertenecientes a pueblos determinados incluida nuestra
civilización, sino la postura de diálogo y la presencia de artistas de los
cinco continentes, a pesar de que a determinados críticos les pueda parecer
que sus aportaciones no estén a la altura. A veces, es una cuestión de
puntos de mira y de acostumbrarse a la diversidad como expresión del arte
más puro. En línea con lo que estoy diciendo destacaría 'Representaciones
árabes contemporáneas', donde hay una complejidad en las ideas que sugiere
elaboración, asimismo se expresa una idea de laberinto indomable sugestiva.
Entre las exposiciones fundamentales, que constituyen el eje de la Bienal,
están la apuesta por la pintura en un contexto de cambios y la constatación
de su evolución, comisariada por Bonami: 'Pintura: de Rauschenberg a
Murakami, 1964-2003', en la que el transalpino presenta el diálogo
imprescindible para entender su significado y transformación, aunque falten
piezas trascendentales y, asimismo, se eche de menos una potente visión de
este medio. Lo importante es el hecho del asentamiento del concepto que la
anima basado en la idea de que la pintura es una disciplina irrenunciable.
Otra de las muestras, también comisariada por el crítico italiano residente
en Chicago (Estados Unidos), es la titulada 'Retrasos y revoluciones',
formada por aportaciones de gran significado y creaciones de calidad que le
dan un contenido sustancial, en el aspecto más conceptual de la presentación
de su contenido.

Santiago Sierra, la búsqueda de la utopía a través de la dureza de los
materiales

Una de las aportaciones españolas más significativas en esta Bienal es la de
Santiago Sierra (Madrid, 1966), un artista que ha alcanzado un grado de
madurez envidiable y que va a contracorriente con respecto al arte actual,
en el sentido de que apoya la utopía como motivo impulsador de su arte,
asumiendo tareas de agitador, cuando la mayoría de creadores prefiere
experimentar para sorprender, dentro de una marea de planteamientos
innovadores pero vacíos, en el sentido literal del término. Es decir que
Sierra se nutre de lo efímero para convertirlo en formas que son materiales
que configuran planteamientos concretos, en los que instalación, escultura,
performances, acciones e intervenciones se unen, empleando materiales en
desuso o que están siendo utilizados para otros fines. Reivindicador
romántico de una realidad mejor, emplea acciones en las que intervienen
personas, caso de los inmigrantes encerrados en la bodega del barco de
Barcelona, las escenas de masturbación colectivas, pagar a seres para que
les tatúen su cuerpo o bien plasmar líneas en las espaldas de meretrices
heroinómanas, personas encerradas en cajas de cartón u otras que prohíben la
entrada a un Museo. Todo ello para denunciar el absurdo, las malas
condiciones de trabajo, el tratamiento inhumano de los inmigrantes, la
autodestrucción, la alineación o la moral burguesa. Es un conspirador dotado
de alas, que sobrevuela los problemas, enfrentado a los espectadores a
temáticas expuestas con toda crudeza; es decir que no busca la sorpresa,
sino la implicación emocional del usuario dado que no pretende dejarle
indiferente. En Venecia Santiago Sierra propuso en el Pabellón de España un
muro de ladrillos con el nombre de España cubierto con un plástico de color
negro, ironizando sobre el nacionalismo excluyente sea del signo que sea y
de donde venga, argumentándolo con la imposibilidad de acceder al interior
del pabellón español si no era con la presentación de un documento oficial
de identidad española. Asimismo también plasmaba el tema excluyente que
supone la persistencia de las fronteras como instrumento de control, además
de ser el exponente más duro de una política antiterrorista preventiva. El
muro, que fue derribado en Europa, vuelve a surgir, pero esta vez no es a
causa de la guerra fría, sino de la inmigración, también con sus
consiguientes motivaciones ideológicas y económicas. De la confrontación
Este-Oeste hemos pasado a la de Norte-Sur, aunque persiste el mismo
problema: la diferencia de clases sociales y de poderes dinamizadores. Este
hecho lo constata de forma precisa Santiago Sierra, con una elegancia
geométrica expresionista, a través del recurso de lo visual, implementado
por las acciones que buscan expresar una dialéctica directa, en el sentido
de que hay unos propietarios y unos trabajadores, a los que se les paga por
su trabajo. Siempre existe la contraprestación del salario, lo cual quiere
decir que en una era tecnológica nada a cambiado y siguen existiendo
esclavos, fronteras, categorías y clases sociales, étnicas y culturales como
ocurre en una buena parte de África. La africanización del mundo se produce
no sólo a partir del discurso de los propios africanos sino también a partir
de las prácticas de determinados países europeos y de Estados Unidos basados
en un concepto de tribu absoluta, aplicada a su país, entendido como ombligo
del mundo, pero en realidad dividida en clanes y categorías, casi como en la
India, pero con la posibilidad de pasar de una clase a otra gracias a la
democracia, aunque realmente este hecho esté al alcance de unos pocos
elegidos.


Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte